Partes de una cámara

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Nunca viene mal recordar las partes de una cámara, sobre todo teniendo en cuenta que este blog está dirigido especialmente a aquellos que se inician en fotografía.

1. Batería: Suministra la energía necesaria a la cámara para que todos sus componentes funcionen correctamente.

2. Circuitería: La parte electrónica de la cámara.

3. Conexiones: Lugar dónde conectaremos la cámara a dispositivos externos (ordenador, televisor, red eléctrica, otros accesorios).

4.Cortinilla: Forma parte del obturador. La cortinilla consta de una serie de láminas de plástico colocadas horizontalmente a modo de "cortina" (más bien como un "estor") que se suben y bajan para dejar pasar la luz.

5. Diafragma: Juego de pestañas que se abren o se cierran (nunca completamente) que regulan el "caudal" de luz entrante por el objetivo.

6. Dial de modos: Rueda donde se selecciona el modo/programa, que vamos a utilizar (automático, manual, semiautomático...)

7. Disparador: Botón que apretamos para sacar la foto.

8. Empuñadura: Por dónde agarramos la cámara. Suele estar diseñada para una buena ergonomía en el agarre.

9. Espejo: Situado en el interior de la cámara, entre el objetivo y el sensor. Su función es enviar la imagen al visor antes de disparar para encuadrar y tomar las mediciones oportunas. Una vez realizado todo el espejo se levanta y deja pasar la imagen hacia el sensor.

10. Flash: Añade luz a la toma si hay poca luz.

11. Montura: Aro de metal o plástico reforzado, dónde se coloca el objetivo.

12. Motor de enfoque: Motor que se encarga de mover las lentes de enfoque del objetivo (no todas las cámaras tiene este motor).

13. Objetivo: Conjunto de lentes que hacen llegar la imagen exterior a la cámara.

14. Obturador: Su función es bloquear la luz y dejar pasarla, durante un tiempo determinado, para que la imagen se imprima en el sensor.

15. Pantalla secundaria: Pantalla secundaria dónde obtenemos el resultado de las mediciones y controles de la cámara. Parte de esta información también puede obtenerse mirando por el visor.

16. Pantalla: En ella comprobamos la imagen que hemos tomado y controlamos otras operaciones. En algunas cámaras también hace la función del visor (ver: live view).

17. Pentaprisma: Juego de espejos situados en la parte interior superior de la cámara encargados de llevar la imagen desde el objetivo hasta el visor.

18. Procesador: Cumple la misma función que en un ordenador, procesar la información que le llega (datos de los programas elegidos para la fotografía, velocidad con la que se procesa la toma, aplicaciones internas de la propia cámara...) .

19. Reductor de movimiento: Ayuda a evitar pequeñas trepidaciones de la cámara cuando fotografiamos a mano alzada.

20. Rosca para trípode: Lugar dónde enroscaremos el trípode u otro accesorio para la cámara.

21. Sensor infrarrojo: Por medio de dicho sensor podremos disparar a distancia la cámara.

22. Sensor: Sustituye al antiguo carrete fotográfico, es dónde se va a imprimir la imagen.

23. Tarjeta de memoria: Dónde se almacenan las fotografías que vamos tomando.

24. Visor: Por dónde se mira.

25. Zapata del flash: Lugar dónde colocaremos un flash externo.

Puedes ver cómo funciona una cámara réflex AQUI.

Teoría del Color; Colores Parte I

La teoría del color es la regla básica por la que a partir de un grupo de colores (tres exactamente) se obtienen el resto de colores.

El ser humano es capaz de percibir los colores gracias a unas células con capacidad fotosensible llamadas conos y bastones, las cuales recogen el espectro de luz de la incidencia luminosa en objetos, convirtiéndolo en impulsos eléctricos y enviándolos al encéfalo, pasando primero por el hipotálamo y luego al área de percepción del color (entre los lóbulos parietal y occipital del cerebro).

Además, existen los colores aditivos, esto es debido como explicamos antes, a la incidencia luminosa en objetos, ya que los humanos solo percibimos 3 colores (Rojo, Azul y Verde puros), se podría decir que el resto de colores son una adicción de estos 3 primeros. El blanco es la unión perfecta de los 3, mientras que el negro es su ausencia. Los colores en los dispositivos digitales utilizan un sistema de colores aditivos, por lo que trabajan con porcentajes de verde, azul y rojo.

Los colores se clasifican de la siguiente manera:

n  Colores primarios: Rojo, Amarillo y Azul puros.

n  Colores secundarios: Creados por la unión de dos primarios. Estos colores son el Naranja, el Verde y el Violeta.

n  Colores terciarios: Creados por la unión de un color primario con un secundario adyacente, por lo que existen seis. Estos son el Azul-agua (Azul+Verde), Morado (Azul+Violeta), Magenta (Rojo+Violeta), Bermellón (Rojo+Naranja), Melocotón (Amarillo+Naranja) y Verde amarillento (Amarillo+Verde).

Modos de color

Las imágenes de mapa de bits se diferencian por el número de colores que son capaces de incorporar.

                Ya que cada modo tiene su propia profundidad y gama de colores, pueden producirse pérdidas al cambiar de un modo a otro, es decir los colores que no se hallen dentro de la gama del nuevo modo serán sustituidos por el más cercano dentro de la gama, y son cambios irreversibles. Los modos más usados son el RGB y CMYK, que explicaremos a continuación. Photoshop es capaz de cambiar un modo a otro, pero una imagen de 8 bits transformada en una de 24 bits no mejora su calidad.

Para cambiar el modo de color en Photoshop, selecciona:

1 Archivo>Nuevo (creando un nuevo archivo)

2 En el cuadro de diálogo Nuevo, en la casilla Modo de Color, selecciona usando el menú desplegable> OK

O bien

1 Archivo>Abrir (abriendo el archivo en la localización correspondiente)

2 Imagen>Modo> + modo que nos interese

Tipos

Escala de Grises

Pensada para imágenes en blanco y negro o desaturadas, contiene 2^8 (256) tonos diferentes de gris, es decir, abarca desde el blanco absoluto al negro absoluto en una escala lineal de grises. En una imagen a color, los píxeles adquieren el tono grisáceo en correspondencia a la luminosidad del tono de color (parecido a la desaturación)

Modo Duotono

Este tono también posee un canal de color, pero se usan dos o más planchas o tintas durante la impresión para añadir riqueza y profundidad a una imagen en escala de grises. Al usar más planchas, se incrementa el rango de tonos por cada plancha.

Modo RGB (Red, Green, Blue)

Del inglés “Rojo, Verde y Azul”, este modo también puede llamarse en castellano (RVA), es el modo de color aditivo por antonomasia, por su similitud con el sistema visual humano, la gran mayoría de aparatos digitales interpretan la luz con un modo RGB. Se compone de 3 canales, uno por color. Al estar constituido el pixel por 8 bits, se encuentra con una gama de 24 posibilidades por pixel, y 2^24 es un total de 16777216 colores que ocupan la gama de color de este modo.

Este modo se describe por el porcentaje de color en cada uno de los canales, con valores que van del 0 al 255. Los colores se asignan dependiendo de su luminosidad y cantidad de colores aditivos que se encuentren dentro del pixel. El blanco absoluto sería una combinación de 255 en cada uno de los canales, y el negro absoluto una combinación de 0 en los tres canales, y por ejemplo el rojo absoluto es aquel que tiene 255 en el canal rojo, y 0 en los demás.

Como dato, es el único modo en el que ningún filtro u opción de Photoshop se encuentra no disponible.

Modo CMYK (Cyan, Magenta, Yellow, Black)

Del inglés (Cian, Magenta, Amarillo y Negro) o CMAN en castellano. Es el sistema que usa un gran número de impresoras en sus tóner, por lo que es un modo muy indicado para imprimir en impresora convencional. Otras realizan automáticamente el paso de RGB a CMYK en el mismo driver del hardware.

Los archivos CMYK son un tercio más grande que los RGB, debido a que su profundidad total es de 32 bits y no 24. La cuatricromía es el término industrial por el que se compone el modo CMYK, es decir un sistema de 4 colores en el que el cian absorbe el rojo, el magenta el verde, y el amarillo al azul, todos ellos unidos al negro, o la absorción absoluta.

Modo Multicanal

Modo solo disponible para imágenes con más de un canal, cada cual con 256 niveles de grises o color. Al hacerlo, se crean tantas entradas de canal como canales tuviese la imagen original. Por ejemplo, el modo RGB tendría 3 canales y el CMYK tendría 4. Si eliminásemos alguno de los canales, la opción por defecto de Photoshop es convertir la imagen en una imagen en modo multicanal con n-1 canales de la imagen original. No es un modo muy práctico porque no lo soportan muchos formatos (excepto los propios de Photoshop).

Modo Color Indexado

Este es un modo simple de un solo canal con 256 colores. Es muy útil para reducir peso de una imagen de forma eficiente y con unas pérdidas relativas de calidad, ideal para su uso en Webs. Debido a que Photoshop no soporta este modo en muchas de sus opciones y filtros es recomendable usarlo al final de la edición.

Las aventuras de las GIFs animadas en el mundo del arte

 

Por: Roberta Bosco y Stefano Caldana| 17 de enero de 2013

 

Hopper´s Club (Gif), 2012 de Ibon Mainar

Surgido en 1987 y creado por CompuServe, GIF (acrónimo de graphic interchange format) es un formato de imagen en 256 colores, que se ha convertido en una referencia ineludible por lo que se refiere a la cultura popular y contracultura en Internet. La razón del enorme éxito que este soporte sigue teniendo después de tantos años que es un verdadero misterio. Nacido en la primera época de la historia de Internet como una alternativa para difundir en la red imágenes en gran tamaño sin ralentizar la navegación, en la década de 1990 el formato GIF se convirtió en un recurso estándar integrado en los tradicionales banners publicitarios. En la actualidad, más popular que nunca es vehículo de memes, juegos visuales y mensajes humorísticos, como los históricos dancing babies o los infinitos gatos de Internet, y se ha convertido en el principal soporte para difundir breves secuencias animadas, habitualmente formadas por unos fotogramas sacados de películas en su mayoría caseras.

Tras ser declarado Palabra del Año 2012 por el Oxford American Dictionary, el pasado mes de noviembre, el término GIF ha sido definitivamente consagrado con una exposición, organizada por Paddle8, que ha también encargado imágenes inéditas a artistas y gráficos conocidos y anónimos de medio mundo, elegidos a través de una convocatoria difundida en la red.


Todas estas creaciones han sido reunidas en Moving the Stills, una exposición online dedicada el formato 87A, más conocido como GIF, con motivo de su 25º aniversario, que se lanzó en Miami durante la pasada edición de la Miami Art Week 2012, que se celebró en el pasado mes de diciembre.

FashGif, Flats, "Napier Street Fitzroy"

vveinventvou, "camouflage"

No hay que olvidar que el formato GIF y su estética han sido ampliamente utilizados por diversos artistas de la escena digital. Entre estos se encuentra Evan Roth, representante de la nueva vanguardia estadounidense y reciente ganador del Design Award del Smithsonian’s Cooper-Hewitt National Design Museum de Nueva York. Para la muestra SPAMM, organizada en el marco del festival Les Transnumériques, el artista realizó Cache Rules Everything Around Me, un irónico vídeo que se alimenta de las infinitas GIFs animadas de la cultura popular diseminadas por la red, articuladas al compás de la música de Girl Tank.


Las GIFs animadas y su estética artificiosa no acaban de superar la previsible adversidad del sector del arte tradicional, pero Evan Roth ha conseguido integrar de manera provechosa este formato en piezas para las galerías como las que se vieron la pasada primavera en su exposición para la galería N2 de Barcelona. One Gif Compositions es una serie de piezas para Internet que se acercan al formato del vídeo y representan unos estudios visuales sobre el movimiento en las que “la obra es el resultado de la suma de las visualizaciones de las imágenes que el ordenador descarga y almacena en su memoria, creando una secuencia animada que va llenando progresivamente el espacio de la pantalla”, explica Roth.

En aquella ocasión Roth presentó también obras que no utilizan las nuevas tecnologías, pero que se apropian de la iconografía de Internet y la simbología informática, como las irónicas impresiones de Banners & Skyscrapers, collages gráficos, parecidos a una trama textil compuesta por los redundantes y obsoletos banners publicitarios de las páginas web.

Gravity (2003) de Olia Lialina y Dragan Espenschied

Quizás la artista más destacada en este campo sea la visionaria Olia Lialina, pionera del net.art e impulsora de la eclosión de la escena del arte en Internet allá por 1998 cuando, adelantándose a los tiempos, abrió Art Teleportacia, la primera galería de arte virtual. Su trabajo refleja en numerosas ocasiones la iconografía y la estética de las GIFs animadas, típicas de la época de la ya desaparecida Geocities. Desde cierto punto de vista Lialina se puede considerar una verdadera arqueóloga de las imágenes en 256 colores, que integra en casi todas sus obras: desde Midnight, pasando por Animated GIF Model, hasta el inolvidable Gravity, realizado en colaboración con su compañero, el artista Dragan Espenschied. La obra, una cáustica y al mismo tiempo delicada reflexión sobre la colonización de Internet, se plasma en el relato sutilmente irónico de una expedición al espacio como metáfora del viaje a la conquista de la red y del “espacio de la pantalla”. La recuperación de la sencillez tecnológica, en este caso el uso del scrolling (desplazamiento en la página), ofrece un nuevo enfoque narrativo al cambiar la posición no sólo de los objetos, sino también del espectador.

En 2009 Olia Lialina y Dragan Espenschied trasladaron la estética de las GIFs animadas, con sus gatitos y arco iris, en el libro Digital Folklore Reader donde con mucha ironía alternan ensayos y proyectos de investigación sobre la cultura digital popular y sus recursos más kitsch.

En España no hay que olvidar Ibon Mainar, un joven artista de San Sebastián, que está realizando una residencia en el centro de arte Arteleku, donde ocupa uno de los espacios a disposición de los artistas.
En su página las imágenes animadas, concebidas como unos bucles infinitos, se alternan a temas genéricos en los que Mainar interviene de forma creativa, reinterpretando las pinturas del estadounidense Edward Hopper, unas obras muy populares que gracias a sus intervenciones vuelven a cobrar una nueva e inesperada vida.

Animated Gif (Hopper 3), 2012 de Ibon Mainar

Animated Gif (Cindy Sherman) 2012 de Ibon Mainar

Curiosamente estas obras que habitualmente no llegan a interesar demasiado el mundo del arte propiamente dicho, tienen una importante visibilidad en la red y sus plataformas, llegando a ser destacadas en Tumblr, los espacio online del SF MOMA, Saatchi y otros blogs muy populares como Hyperallergic o The Creators Project.

“En mi caso cuando hago una exposición en una galería sé que el trabajo lo va a ver menos gente que en mi blog”, asegura Mainar. “Nunca podré aspirar a que en una galería vean mi trabajo 12.500 personas, sin embargo uno de mis GIF se reblogueó ese número de veces. Hay Gifs que se expanden cientos de miles de veces por la red y eso me hace reflexionar sobre si es el arte el que está al margen de lo digital. Creo que con lo digital, los GIFs, net.art, etc... arte que el propio artista cuelga en la red, existe una relación más sincera con el público, que cuando ve una foto colgada en la pared, aunque pueda parecer lo contrario. Para mí es fundamental que el artista y el arte en general sea contemporáneo del tiempo que está viviendo”, concluye Mainar. El artista acaba de participar en el festival Fantastic de Lille (Francia), que se clausuró el 13 de enero, con una serie de obras que se han proyectado en las calles de la ciudad transalpina como parte del programa Métamorphoses Urbaines.